Галерея Тейт в Лондоне - крупнейший комплекс художественных музеев . В их стенах хранятся шедевры британского искусства с 1500 года по настоящее время.

К концу прошлого века коллекция музея стала настолько огромной, что места для ее хранения (не говоря уже о показе) перестало хватать. В результате коллекция была разделены на две части: на современную живопись (в понимании кураторов это XX век), она стала отдельной галереей «Тейт Модерн» и британскую «Тейт Британия».

Галерея «Тейт Британия» - это английский аналог нашей .

Галерея основана в 1897 году на средства сэра Генри Тейта (он изобретатель рафинада и сахарной ваты). Коллекция музея сформировалась благодаря музею Южного Кенсингтона, и частным собраниям картин. Их владельцы решили отдать в дар коллекции картин государству.

Особенности

Коллекция картин в галерее «Тейт Британия» строго упорядочены. Каждый отрезок времени имеет свои тематические разделы. Раз в год набор тем меняется, это создает интерес и интригу. Главные экспонаты музея - это картины прерафаэлитов (направление в английской живописи во второй половине XIX века) и воздушные полотна Тернера, которые у нас в , к сожалению, не представлены.

«Тейт Модерн» занимает помещение бывшей электростанции, ее здание - полноценный арт объект. В ее стенах вы можете взглянуть на картины Дали, Матисса, Кандинского и Пикассо. Здесь тоже экспонаты развешаны по темам, только не по историческим, а более абстрактным: «Вещи в движении», «Поэзия и сновидения», «Существенные изменения».

Картины Галереи Тейт

John Constable, Flatford Mill (Scene on a Navigable River)

William Blake, Satan Smiting Job with Sore Boils

J. M. W. Turner, Snow Storm, Steam – Boat off a Harbour"s Mouth

Sir John Everett Millais, Ophelia

Anna Lea Merritt, Love Locked Out

James Abbott McNeill Whistler, Nocturne: Blue and Gold – Old Battersea Bridge

David Bomberg, The Mud Bath

Oberon, Titania and Puck with Fairies Dancing, William Blake

Ecce Ancilla Domini, Dante Gabriel Rossetti

The Fairy Feller"s Master-Stroke, Richard Dadd

Strayed Sheep (Our English Coasts), William Holman Hunt

The Little Country Maid, Camille Pissarro

The Death of Major Peirson, John Singleton Copley

Pylades and Orestes Brought as Victims before Iphigenia, Benjamin West

В Лондоне есть несколько достопримечательностей, где можно насладиться традиционным и современным искусством. Одним из ярких представителей культурных объектов в столице является галерея Тейт, которая стала крупнейшим в мире собранием британского искусства, куда входят работы с 1500 года до настоящего времени. Галерея Тейт – это не один музей, сюда входят несколько художественных музеев в Лондоне и других городах.

История музея

Название для галереи выбрано неслучайно: основателем его был Генри Тейт. Его богатство обеспечивалось сахарным бизнесом: Тейт изобрел так любимую детьми сахарную вату, продажа которой приносила ему огромные прибыли. Бизнесмен был большим поклонником викторианской живописи, поэтому решил вложить деньги в искусство. Он оказывал поддержку многим английским талантливым художникам и сначала покупал их работы для себя. Его собственная коллекция и стала началом богатого собрания произведений в галерее.

Здание музея возвели в Лондоне у Воксхолльского моста по проекту С. Смита. Открытие произошло в 1897 году, а контролировал новый музей Совет попечителей Национальной галереи. В первом выпущенном путеводителе можно увидеть, что начало коллекции положили всего лишь три картины, среди которых известное произведение У.Д. Сандлера «Четверг». Первоначально выставка включала произведения художников, родившихся позже 1790 года.

Помимо коллекции Тейта в момент открытия в галерее были представлены полотна из музея Южного Кенсингтона, работы из коллекции Вернона, ранее выставленные в Национальной галерее, картины Уоттса, которые передал сам художник.

В 1899 году на средства Тейта к основному зданию были пристроены 9 залов, благодаря чему галерея Тейт стала самой просторной в столице. Еще несколько новых залов были открыты в 1910 году, куда поместили все работы У. Тернера, которые он завещал государству. Пока новые залы не открылись, полотна Тернера хранились в Национальной галерее в Лондоне.

Коллекция музея постоянно пополнялась. В 1917 году стали формировать коллекцию работ иностранных художников и скульпторов. Промышленник Сэмюэл Курто в 1923 году вложил деньги в приобретение для музея работ импрессионистов и постимпрессионистов. Когда в 1926 году стало невозможно хранить все произведения вместе, в новом здании открывается отдел иностранной живописи.

За время Второй Мировой войны здание галереи сильно пострадало, но экспонаты были заранее вывезены, что уберегло их от бомбежек. Вновь экспозиции музея стали доступны посетителям в 1949 году.

Разделение музея

Галерея Тейт – это не только живопись, здесь также представлены скульптуры и гравюры. Чтобы достойно показать все имевшиеся в наличии экспонаты, начали оформлять отделы и филиалы музея в других зданиях и даже городах. В 1987 году состоялось открытие галереи Клор, где представлено самое полное собрание произведений У. Тернера. Годом позже филиал галереи Тейт открыли в Ливерпуле. В 1993 году создан музей Тейт Сент-Айвз в графстве Корнуолл.

В 2000 году открылась новая часть музея в Лондоне. Расположилась она напротив собора Святого Павла на южном берегу Темзы. Местом было выбрано здание бывшей электростанции, чьи помещения как нельзя лучше подошли для экспозиции современного искусства. Галерею назвали Тейт Модерн, а первоначальная галерея Тейт стала именоваться Тейт Британия.

В галерее Тейт Британия представлена живопись с начала XVI века, причем в их расположении соблюдается хронология, что позволяет познавать основные этапы английской живописи и их особенности. Также есть разделение полотен по тематикам, причем темы ежегодно меняются: Викторианские зрелища, Культ личности и т.д., что позволяет каждый раз смотреть на картины под новым углом.

Среди экспонатов представлены фантазии на любовную тему, романтические пейзажи, картины, показывающие быт англичан, мистические произведения, портреты знаменитых англичан и даже коронованных особ. Для посетителей проводятся тематические экскурсии, лекции, а также занимательные развлечения для детей. Здесь даже «оживают» картины, поскольку большинство экспонатов сопровождаются звуковыми эффектами, что очень радует самых маленьких посетителей.

Галерея Тейт Модерн довольно быстро стала популярным местом в современном Лондоне. Здесь проводятся различные выставки, перформансы, инсталляции. Посетители могут наслаждаться совершенно разными стилями и жанрами произведений современных авторов.

Тейт Британия (Tate Britain) по праву считается Национальной галереей художественного искусства Соединенного Королевства Великобритания. Это хранилище культурного наследия английской живописи, начиная с XVI века. Русскоговорящим туристам галерея известна под другим, неофициальным названием – «лондонская Третьяковка».
Музей расположен в районе Миллбэнк, в центральной части Лондона, в 500-х метрах от станции метро Pimlico и в 800-х метрах от станции Vauxhall. Доступен для посещений ежедневно с 10 до 18 часов, кроме трех дней в году – с 24 по 26 декабря. Вход бесплатный, за исключением некоторых тематических выставок.

История основания

Для посетителей галерея впервые была открыта в июле 1897 года в бывшем тюремном здании. Свое название получила по фамилии создателя сэра Генри Тэйта. Крупный промышленник, владелец заводов по производству сахара, в основу создания галереи он положил личную коллекцию произведений английских живописцев. Его увлечение живописью началось с трех художественных произведений Уолтера Денди Садлера, мастера викторианской эпохи.
Особое положение в этой тройке занимала картина «Четверг», с изображенными на полотне монахами, занятыми ловлей рыбы к пятнице, постному дню. И сегодня, данное полотно представлено для всеобщего обозрения.
Здание было частично разрушено во время авиационного налета времен Второй мировой войны, но коллекция не пострадала, так как заранее была эвакуирована. После реставрации здания, в 1949 году, двери музея были вновь открыты благодарным посетителям. Изначально идея создания музея была основана на желании представить произведения искусства исключительно английских мастеров, но постепенно здесь начали выставлять и других зарубежных авторов.

Музей сегодня

Тейт Британия входит в группу музеев Тейт. В группе их четыре: Тейт Британия, Тейт Модерн, галерея Клор, Тейт Ивс, расположенный в Корнуэлле и филиал галереи, находящийся в Ливерпуле.
Музей Тейт Британия насчитывает порядка 60 тысяч экспонатов, среди которых картины, гравюры, скульптуры. Широко представлены работы таких английских живописцев, таких как: Уильям Хогарт, Ричард Уилс, Уильям Блейк, Томас Гейнсборо, и полное собрание картин великого Уильяма Тернера.
Помимо англичан, представлены и зарубежные мастера. По большей части это импрессионисты и постимпрессионисты: Каземир Малевич, Клод Моне, Марк Шагал, Эдгар Дега, Сальвадор Дали, Эдвард Мунк и многие другие. В выходные дни в музее проводятся бесплатные экскурсии, на территории функционирует музей сувениров, в котором можно приобрести репродукции выставочных экспонатов.

Здание музея

Дорогой читатель, ты, вероятно, даже не подозреваешь, что, выпивая чашку чая или кофе с кусочком сахара, прикасаешься к… истории создания галереи Тейт! Ты спросишь, каким образом? А вот каким! Галерея названа в честь Генри Тейта (1819–1899), ее основателя. Это у нас не принято спрашивать (кроме «компетентных органов»), откуда у того или иного олигарха образовался огромный капитал и, в первую очередь, тот самый загадочный «первоначальный». В Европе возможен такой вопрос, а главное, и ответ на него. Генри Тейт, сын священника, в 1860-е занялся сахарным бизнесом и основал очень прибыльное производство по нарезке сахара в кубики и его упаковке. Предприниматель стал богат и занялся меценатством: вкладывал средства в больницы, библиотеки, колледжи и наконец основал художественную галерею.

Интерьер музея

В зале музея

Тейт приобретал картины, главным образом, на ежегодных выставках Королевской академии искусств. Его интересовали произведения современных художников, со многими из них промышленник был лично знаком и поддерживал их материально. Он не только собрал большую коллекцию картин английских мастеров, но и выстроил на свои средства здание для нее. Можно сказать, что Тейт для британского искусства был тем, кем Третьяков являлся для русского.

Галерея Тейт - государственный национальный музей в Лондоне. Это самое крупное в мире собрание английской живописи, состоящее из трех больших разделов: английское искусство с 1550 до наших дней; коллекция работ Уильяма Тернера; искусство XX века. Общий художественный фонд музея оказался распределен между несколькими «дочерними» галереями: Тейт Бритен, галерея Клор и Тейт Модерн.

Галерея Тейт Бритен

Собрание галереи Тейт не могло ограничиваться творениями лишь тех художников, которых предпочитал сам предприниматель. Со временем коллекция пополнилась картинами старых английских мастеров.

В национальной живописи XVI–XVII веков доминирует парадный портрет. Самая ранняя работа этого жанра - «Человек в черной шляпе» Джона Беттса (1545), хранящаяся в музее, - несет на себе отпечаток влияния Ганса Гольбейна Младшего и вместе с тем дает представление об английском искусстве эпохи Возрождения.

К следующему, XVIII, столетию относятся произведения великих мастеров - Уильяма Хогарта, Джошуа Рейнолдса, Томаса Гейнсборо, Джорджа Стаббса.

Искусство XIX века представлено в Галерее еще полнее. Помимо произведений прерафаэлитов и Уильяма Тернера, о котором речь пойдет ниже, здесь хранятся работы Уильяма Блейка, Джона Констебля. Достойны внимания пейзажи и других авторов.

Годы и десятилетия внесли изменения в распределение живописных сокровищ между британскими музеями. Ряд картин импрессионистов, которые поначалу находились в галерее Тейт, были переданы в Национальную галерею Лондона. Тем не менее в музее осталось весьма внушительное собрание полотен мастеров этого направления, а также творения практически всех, кто стоял у истоков современного искусства: Пьера Огюста Ренуара, Камиля Писсарро, Альфреда Сислея, Эдгара Дега, Анри де Тулуз-Лотрека и других.

Галерея Тейт Модерн

Галерея Клор

В галерее Клор выставлена наиболее полная коллекция произведений одного из самых талантливых и известных британских художников - Уильяма Тернера, завещанных им государству. Наследие было передано в 1856, через пять лет после его смерти: около 300 картин и 30 000 рисунков и набросков, а также записные книжки Тернера и произведения, считающиеся незаконченными, некоторое количество работ других авторов. Девять картин этого собрания оказались в Национальной галерее Лондона, они демонстрируют наследие великого английского мастера в контексте мирового искусства. Та же часть, которая составила сокровищницу галереи Тейт, в настоящее время выставлена в специально созданной для нее галерее Клор, открытой в 1987.

Тейт Модерн

Галерея Тейт Модерн в составе галереи Тейт является крупнейшим национальным собранием мирового современного искусства, в том числе и английского. Она создана в 2000, ее открытие было приурочено к празднованию наступления третьего тысячелетия. Для музея реконструировали монументальное здание бывшей электростанции в центре Лондона, на противоположном от собора Святого Павла берегу Темзы. Сохранив внешний облик, архитекторы полностью изменили постройку внутри и добавили крышу из стекла и стали.

Экспозиция размещена в четырех крыльях здания. Три предназначены для основных направлений искусства XX века: сюрреализма, минимализма, абстракционизма, а четвертое - для тесно связанных друг с другом кубизма и футуризма. Вокруг названных главных течений группируются произведения множества близких.

В галерее представлены значительные работы Пабло Пикассо и Анри Матисса. Здесь собрана одна из лучших в мире коллекций сюрреализма, в том числе полотна Сальвадора Дали, Макса Эрнста, Рене Магритта и Хуана Миро, произведения американского абстракционизма, поп-арта.

Галерея Тейт - это не только музейное собрание, но и средоточие культурной жизни. Здесь можно удовлетворить все свои художественные интересы. Богатая и хорошо организованная инфраструктура Галереи предоставляет посетителю массу возможностей для изучения искусства на разных уровнях знания и вовлеченности в него. Также это замечательное место отдыха, где приятно посидеть в кафе после прогулки по выставочным залам, послушать концерт из произведений композиторов разных эпох или выбрать развлечение на свой вкус и возраст.

Искусство XVII–XVIII веков

Иоганн Дзоффани. Миссис Вудхалл. Около 1770

Британская школа. Дамы семейства из Холмондейли. 1600–1610

Эта картина неизвестного английского мастера XVII века необычайно интересна по своей идее и в подлинном смысле уникальна. Уже хотя бы потому, что иллюстрирует совершенно фантастический случай, о котором повествует надпись внизу слева: «Две дамы из семейства в Холмондейли, родившиеся в один день, вышедшие замуж в один день и родившие в один день».

Представляя себе менталитет средневекового англичанина, можно быть уверенным в том, что хотя это совпадение и кажется неправдоподобным, но оно имело место, а не было плодом фантазии художника. Им, по-видимому, до известной степени является художественное воплощение образов дам, чьи имена доподлинно неизвестны. Это, можно сказать, парадный портрет сестер с их детьми. Как роженицы, они показаны в постели, крохи завернуты в алые ткани. Художник жил в графстве Чешир, неподалеку от которого - названное поместье. Героини могли быть обитательницами Холмодельского замка, существующего и сегодня.

На первый взгляд кажется, что женщины в одинаковых платьях, они очень похожи, как и их младенцы. Но здесь как раз и проявилось изумительное мастерство художника. Буквально во все одинаковые по значению детали этого двойного (даже, можно сказать, четверного) портрета он внес тончайшее разнообразие. Стоит сравнить кружева платьев, ожерелья и прочее. Причем сложной задачей было не допустить у зрителя (при явной одинаковости статуса сестер) впечатления большей или меньшей привлекательности той или иной. Вероятно, сейчас тоже никто не сможет доказать, что какая-то из двух красивее.

В эстетическом плане картина чрезвычайно интересна: она демонстрирует поразительное разнообразие внутри некоего единства. Полной аналогией этому явлению в английской живописи является первое опубликованное собрание национальной вёрджинельной музыки - «Парфения», изданное в то же самое время, в 1611. И здесь, и там в основе художественного метода лежит принцип варьирования. Легко представить себе продолжение примера этого разнообразия, заключенного в идентичности: две дамы, сев за два столь же похожих инструмента, сыграют пьесу Джайлиса Фарнеби «Для двух вёрджинелов», в которой обе партии равнозначны…

Уильям Хогарт (1697–1764). Художник и его мопс. 1745

Уильям Хогарт - великий английский художник, гравер, теоретик искусства.

«Официальное» название работы не совсем точно, правильное - «Автопортрет художника с его мопсом». Эта картина в картине продолжает барочную традицию подобных автопортретов. На переднем плане - предметы, идентифицирующие модель как художника (палитра) и литературно образованного человека (книги, на корешках которых указано «Шекспир», «Свифт», «Мильтон»). И это действительно так, позднее, в 1753, будет издан собственный трактат Хогарта «Анализ красоты», но его идеи нашли отражение уже в данном автопортрете. Присмотримся к палитре: на ней изображена кривая линия и дано пояснение: «Линия красоты и изящества». Эта идея станет основной в трактате: «линия красоты» согласно учению Хогарта - S-образная линия, являющаяся границей двух пространств, наиболее гармонично сочетающихся друг с другом. Большое мастерство требуется, чтобы прочертить ее совершеннейшим образом. Проведя ее, Хогарт уподобил себя древнегреческому художнику Апеллесу - олицетворению совершенства в искусстве живописи, проводившему столь тонкую и совершенную линию, что никто не мог ее повторить. Но если у Апеллеса, согласно преданию, это была прямая линия, то Хогарт за эталон взял изогнутую. В предисловии к трактату художник признавался, что «ни один египетский иероглиф не занимал умы в течение столь долгого времени», как эта линия. «Художники и скульпторы являлись ко мне, чтобы узнать значение этих слов, были озадачены ими не менее, чем все прочие, до тех пор, пока не получали разъяснение».

Вторым важным персонажем картины является любимая собака автора - мопс Трамп. Если внимательно присмотреться к обоим изображенным, то, как это часто бывает, можно найти некое сходство в их обликах. В таком случае пес служит воплощением драчливого характера хозяина.

Уильям Хогарт (1697–1764). Шесть голов слуг Хогарта. 1750–1755

Уильям Хогарт отрицательно относился к шаблонным светским парадным портретам, какие во множестве создавали его современники. Обычно он писал своих родственников и близких людей. Групповой портрет слуг - одна из таких работ. Он примечателен не только с эстетической точки зрения как произведение великого мастера, но и с социальной - передает человеческое достоинство людей, занимающих невысокие ступени в общественной иерархии, но при этом обладающих несомненным душевным благородством.

Этот необычный групповой портрет первоначально висел в мастерской Хогарта. Его могли видеть покровители и заказчики художника. Работа служила доказательством непревзойденного мастерства автора в передаче индивидуальных черт модели. Она не была заказной, живописец создал ее для собственного удовольствия, а быть может, и своих слуг.

Картина состоит из нескольких не связанных между собой голов. Художник добился единства композиции с помощью их симметричного расположения и однородного освещения источником, находящимся за пределом картины, в верхнем левом углу. Уникальным оказался замысел Хогарта написать портреты слуг вне их повседневной работы. Однозначно читается отношение самого мастера к ним - полное расположение. Она побуждает зрителя представлять себе спокойную, налаженную, умеренную жизнь художника в своем ухоженном доме.

Исследование произведения установило, что первоначально его размер был больше и автор намеревался поместить семь голов. Но последняя не была проработана столь же тщательно, как остальные, и тогда у художника возникла мысль обрезать край для того, чтобы шесть законченных голов композиционно смотрелись более цельно.

Джордж Стаббс (1724–1806). Кобылы и жеребята на фоне пейзажа с рекой. Около 1763–1768

Джордж Стаббс знаменит, прежде всего, тем, что был одним из первых выдающихся английских живописцев, посвятивших свое творчество лошадям. В 1760-е Стаббс два года занимался анатомическими штудиями этих животных. Его многочисленные зарисовки были изданы в 1766 отдельной книгой, которая называлась «Анатомия лошадей». Художник необычайно долго работал над каждым своим полотном, что было следствием его чрезвычайной скрупулезности и полной поглощенности работой. Такой большой научный интерес мог в некотором смысле даже стать помехой в воплощении чисто художественных задач, но в случае со Стаббсом этого не произошло. Все его изображения лошадей необычайно живые, красивые, энергичные.

Картина доставляет зрителю истинное наслаждение композицией, рисунком и красочной палитрой. Далекий и широкий горизонт, большие пространства земли и воды, высокое место, где пасутся лошади, отсутствие каких бы то ни было преград для них - все это создает настроение и ощущение покоя и воли, столь желанных в общении с этими животными и столь редких во взаимоотношениях людей.

Джошуа Рейнолдс (1723–1792). Полковник Акланд и лорд Сидней. Лучники. 1769

Английский живописец Джошуа Рейнолдс был первым президентом Королевской академии художеств.

Картина представляет собой портрет двух английских аристократов - полковника Акланда (справа) и лорда Сиднея, ирландского политика и дипломата. Здесь они еще молодые, позже полковник примет участие в войне Соединенных Штатов Америки за независимость (на стороне Британской короны), будет ранен в ноги (?777), переживет плен и вернется на родину, где его изберут членом парламента. Но пока он не проявил себя героем, и Рейнолдс изображает его как обычного аристократа, увлеченного вместе с лордом Сиднеем охотой - всегда считавшимся великосветским развлечением. Они уже преуспели: у ног лежат трофеи.

Рейнолдс представил сцену необычайно живо. Замечательно переданы азарт охотников, их напряженность. Кстати, в немалой степени последняя выражена упруго натянутыми тетивами луков стрелков. Лук ко времени, когда создавалась картина, уже был оружием прошлых времен, охота велась из ружей. Рейнолдс идеализировал момент и перенес время действия в романтически представленную эпоху Возрождения. На это намекает и то, что в фигуре Акланда явно угадывается намек на другого охотника, вернее, охотницу - Диану - персонажа ренессансной картины Тициана «Смерть Актеона» (1562. Национальная галерея, Лондон).

Джошуа Рейнолдс (1723–1792). Леди Бамфилд. 1776–1777

Этот портрет был заказан мастеру Чарлзом Уорвиком Бамфилдом по случаю его бракосочетания с Екатериной Мур, леди Бамфилд. Образ очаровательной молодой женщины является остроумной адаптацией классической статуи Венеры Медицейской (из собрания Медичи), всегда считавшейся воплощением женской красоты. Обращение к эстетическим идеалам античности у Рейнолдса было вполне органичным: в свое время, в 1749, он отправился в Европу, жил в Италии, посещал Флоренцию, где в галерее Уффици увидел мраморную копию с утерянной античной скульптуры богини. В зрелой по мастерству работе очень полно проявился талант великого портретиста. Пленительный образ модели дан, как обычно у Рейнолдса, на фоне природы.

Примечательно, что одновременно с созданием этого портрета другой художник, Иоганн Цоффани, писал ставшую знаменитой картину «Трибуна галереи Уффици», изобразив на ней художественные сокровища Галереи и эту статую. Произведение было известно в Англии, поскольку хранилось в Виндзоре, в королевском замке.

Генри Роберт Морланд (1716–1797). Горничная за глажкой белья. 1765–1782

Всю свою жизнь Генри Морланд писал идеализированные образы слуг, горничных, бардов. Все эти полотна, и данное, исполнены в стиле, если так можно выразиться, «воображаемых картин(ок)» - очень милый, трогательный жанр живописи эпохи сентиментализма. Все в таких работах очаровательно, уютно, благополучно, спокойно, греет душу. На такого рода произведения всегда был и, очевидно, будет спрос в определенных кругах общества. Ряд мастеров, и Морланд среди них, сделал этот стиль знаменем своего творчества. Как в каждом художественном течении, здесь есть свои корифеи. Признанный шедевр - дрезденская «Шоколадница» Ж. Э. Лиотара. У такой живописи есть аналогии в музыке (Карл Филипп Эммануил Бах - один из старших сыновей И. С. Баха), литературе (ранний И. В. Гете), архитектуре (городские «односемейные» дома во всей Европе). Спрос на подобные картины был столь велик, что один и тот же сюжет тиражировался живописцами по многу раз. Данный образ молодой горничной, занятой глажкой, существует, кажется, в пяти вариантах, написанных за указанный в дате создания работы период времени.

Джон Синглтон Копли, американский и английский художник, представитель классицизма, портретной и исторической живописи, родился в Бостоне. Его отчим был мастером кисти и в дальнейшем помогал пасынку. В 1774, в преддверии войны за независимость США, Копли покинул Америку и осел в Лондоне. Здесь он обратился к историческому жанру. Мастер был членом Королевской академии художеств.

Картина известна также под вторым названием - «Штурм Джерси». Для понимания батальной живописи необходимо знать политический и военный расклад сил, кто и с кем воевал. Штурм Джерси был попыткой Франции вторгнуться на остров и устранить угрозу, которую он представлял для американского судоходства во время войны за независимость. Джерси использовался британцами в качестве военной базы, и Франция, извечный враг Англии, вступив в войну как союзник США, хотела заполучить контроль над ним.

Французы высадились в Джерси 5 января 1781. Губернатор сдал остров после падения его столицы, Сент-Хельер, но двадцатичетырехлетний майор Френсис Пирсон, начальник гарнизона, отверг капитуляцию и возглавил успешную контратаку. В действительности майора убили незадолго до боя, но Копли изображает его умирающим под британским флагом в момент победы. Чернокожий слуга Пирсона стреляет, мстя за гибель своего хозяина.

Френсис Пирсон стал национальным героем Великобритании, картина привлекла толпы зрителей, когда была впервые выставлена. Она воспроизведена на банкноте в десять джерсийских фунтов.

Генри Фюсли (1741–1825). Сон пастуха из «Потерянного рая». 1793

Генри Фюсли - швейцарский и английский художник, график, историк и теоретик искусства. Он служил пастором, затем учился живописи в Берлине, с 1764 работал в Англии, дружил с Уильямом Блейком. Творчество мастера - один из ранних образцов романтизма в Англии.

Поэмы Джона Мильтона «Потерянный рай» и «Обретенный рай» привлекли внимание Фюсли еще в молодости, когда он жил в Швейцарии. Многие художники-романтики обращались к ним, желая проиллюстрировать отдельные эпизоды. Данная картина изображает строки из 1-й книги поэмы, в которых повествуется о сказочных эльфах:

Малютки-эльфы, что в полночный час
На берегах ручьев и на лесных
Опушках пляшут; поздний пешеход
Их видит въявь, а может быть, в бреду,
Когда над ним царит Луна, к земле
Снижая бледный лёт, - они ж, резвясь,
Кружатся (…)
Вместо того чтобы изображать эльфов танцующими, как это обычно делалось, автор представляет их взявшимися за руки и кружащимися над спящим пастухом, которому это видится в его фантазиях. Фюсли мобилизует все свое воображение, чтобы создать сверхъестественных существ, населяющих картину. Их любопытно разглядывать.

Произведение было написано для создававшейся художником большой галереи образов поэмы Мильтона.

Филипп Джеймс де Лотербург (1740–1812). Видение белой лошади. 1798

Филипп Джеймс де Лотербург (известен под именем Филипп-Жак, а также Филипп Якоб Младший) - английский художник французского происхождения. Он учился в Страсбурге, родители готовили его стать лютеранским священником, но юноша настоял на том, чтобы быть художником, с этой целью отправился в Париж и там в скором времени прославился. В 1771 мастер переехал в Лондон и принял приглашение актера Дэвида Гарика работать сценографом для старейшего лондонского театра Друри-Лейн. На этом поприще у него были выдающиеся достижения.

Последние десятилетия XVIII века (эпоха Великой французской революции, последующих войн и предощущения приближающегося сравнительно скоро нового тысячелетия) дали толчок к очередной интерпретации апокалипсической темы. Художники стали разрабатывать сюжеты гибели мира, Страшного суда, конца человечества. Картина Лотербурга демонстрирует первых двух из четырех всадников Апокалипсиса - «Завоевателя» («Я взглянул, и вот конь белый и на нем всадник, имеющий лук, и дан был ему венец; и вышел он как победоносный, и чтобы победить». - Откр., 6:2) и «Войну» («И вышел другой конь, рыжий; и сидящему на нем дано взять мир с земли, и чтобы убивали друг друга; и дан ему большой меч». - Откр., 6:4). В трактовке этого сюжета автор явно опирался на знаменитую гравюру Дюрера «Четыре всадника Апокалипсиса» из его серии «Апокалипсис».

Уильям Блейк (1757–1827). Навуходоносор. 1795–1805

Английский художник, поэт, мистик, визионер Уильям Блейк учился в Лондоне в Королевской академии искусств. На его становление оказали влияние тенденции национального романтизма. Происходивший из очень религиозной семьи, он с раннего детства воспитал в себе пиетет перед Библией, образы которой владели им на протяжении всей жизни, создал большое количество оригинальнейших по идеям, композиции и технике иллюстраций к ней. Мир Блейка населен фантастическими персонажами, представленными в исключительных в контексте искусства рубежа XVIII и XIX веков образах и явлениях. Блейку нет параллелей в его эпохе. В сущности, с буйством его фантазии могут сравниться разве что некоторые творения сюрреалистов. В галерее Тейт хранится 175 работ художника.

Понять картину Блейка можно, зная рассказ о Навуходоносоре в библейской Книге пророка Даниила (4:26–30): «По прошествии двенадцати месяцев, расхаживая по царским чертогам в Вавилоне, царь сказал: „Это ли не величественный Вавилон, который построил я в дом царства силою моего могущества и в славу моего величия!“ Еще речь сия была в устах царя, как был с неба голос: „Тебе говорят, царь Навуходоносор: царство отошло от тебя! И отлучат тебя от людей, и будет обитание твое с полевыми зверями; травою будут кормить тебя, как вола, и семь времен пройдут над тобою, доколе познаешь, что Всевышний владычествует над царством человеческим и дает его, кому хочет!“ Тотчас и исполнилось это слово над Навуходоносором, и отлучен он был от людей, ел траву, как вол, и орошалось тело его росою небесною, так что волосы у него выросли как у льва, и когти у него - как у птицы».

Через семь лет он поднял глаза к небу, восславил Всемогущего и сразу же вернулся к своему прежнему человеческому состоянию.

Искусство XIX века

Альберт Мур. Цветение. 1881

Джон Констебль (1776–1837). Сцена на судоходной реке. 1816–1817

Эта картина английского пейзажиста Джона Констебля известна под вторым названием - «Флетфордская мельница». Мельница находилась в самом центре области, где в большом количестве выращивалась кукуруза, что, кстати, в период войны с Францией, когда Англия из-за блокады Наполеоном могла рассчитывать лишь на собственные продовольственные ресурсы, было прибыльным бизнесом. Отец художника преуспевал, и эта кормилица семьи, стоящая на берегу реки Стаур, в небольшой деревушке Ист Бергхоулт, где родился живописец, не раз появляется на его картинах. В юности Констебль много путешествовал по окрестностям, делая зарисовки и этюды. По словам самого автора, эти сценки «сделали его художником, за что он очень благодарен».

Большое бревно в нижнем левом углу картины - это, безусловно, одна из опор мельницы, которой объясняется оживление жителей на берегу. Баржа отъединяется от лошади, поскольку ей теперь предстоит отправиться в путь.

В одном из своих писем Констебль признается, что беззаботное отрочество у него ассоциируется, прежде всего, с рекой Стаур, ведь именно благодаря ей он стал мастером. В данном пейзаже художественными средствами выражена эта детская ассоциация. На картине царит редкостное спокойствие, почти аркадская безмятежность бытия, доступная всем и каждому.

Джозеф Мэллорд Уильям Тернер (1775–1851). Озеро Баттермир, с видом на Кромакуотер в Камберленде. Ливень. 1798

Джозеф Мэллорд Уильям Тернер - непревзойденный мастер романтического пейзажа, в сущности, по духу своей живописи - импрессионист. В 1871 Клод Моне и Камиль Писсарро, увидевшие его произведения в Лондоне, не могли поверить, что британский художник за несколько десятилетий до парижских импрессионистов сумел предвосхитить их стилистические поиски. Галерея Тейт обладает самой большой коллекцией работ Тернера, вместе с рисунками, эскизами и набросками - 4187.

Стимулом к написанию картины послужило стихотворение шотландского поэта Джеймса Томсона «Весна»:

Клонясь на запад, солнце предстает
Таким блистательным - и быстрое сиянье
Бьет прямо в горы - а из желтой дымки
Взлетает, устремляясь в бесконечность
Воздушная дуга, цветенье красок.
Английская живопись и литература XVIII века дают массу поводов для сопоставления воспеваемых в них образов. Британские философы создали новую, своеобразную концепцию «возвышенного»: оно неоднородно. В пейзажах можно выделить два его вида: первый условно назван «пугающе-возвышенное», связан с бурями и катастрофами, второй - «природное возвышенное» - обращен к более спокойным состояниям природы. Здесь Тернер изменил некоторые детали и, в сущности, переиначил поэтический образ, у Томсона он - образец первого, тогда как у живописца весьма драматичен. Автор любил изображать природу, одержимую стихией. На его подготовительном рисунке, сделанном во время путешествия на север Англии годом ранее, написано: «Черно». Тернер и впоследствии будет снабжать свои картины ремарками, цель которых - возбудить в зрителе благоговение и страх перед величием и силами природы.

Джозеф Мэллорд Уильям Тернер (1775–1851). Снежная буря Ганнибал и его армия, переходящие через Альпы. 1812

Картина относится к началу карьеры Тернера, она - одно из самых смелых и значительных произведений молодого живописца. Сюжет основывается на повествовании древнеримского историка Тита Ливия о сражении карфагенянина Ганнибала с местными племенами во время перехода через Альпы в Италию в 218 до н. э. Местом действия Тернер выбрал долину Аоста, которую посещал во время путешествия в 1802. Сражение, показанное с некой высокой точки, разворачивается на всем пространстве холста, оно, пораженное невероятной бурей, уходит вдаль, на горизонте виден один из легендарных слонов армии Ганнибала. Живописец - мастер изображать действия больших масштабов. Неопределенность, вызванная размытостью очертаний, создает необычайно возвышенный образ.

Первый показ картины в Королевской академии художеств в Лондоне сопровождался публикацией поэмы Тернера «Обманчивость надежды». В ней есть такие строки:

<…> вождь глядит
С надеждой на бледнеющий закат,
Где кромка италийская ветрами
Изрезана у года на краю.
Что ждет их, пропитавших кровью скалы
И оползни, за каменной пустыней?
Он мнил: Кампаньи тучные равнины.
Выл ветер: Капуи соблазнов яд!
«Ответ» ветра отсылает к описанию Ливием последующего падения армии Ганнибала вследствие того, что изобильная жизнь на итальянском плоскогорье подточила моральные и физические силы воинов.

Картина дает еще одну аллюзию - на Наполеона Бонапарта: за два года до создания полотна Тернер видел работу Жака-Луи Давида «Наполеон на перевале Сен-Бернар», на которой Первый консул представлен в виде современного Ганнибала. Так, произведение Тернера отсылает к вторжению Наполеона в Тирольские Альпы, оно написано в разгар войны с Францией. Вкупе со стихотворным предостережением изображенная снежная буря может восприниматься как символ и предзнаменование краха амбиций как Карфагена, так и наполеоновской Франции.

Джозеф Мэллорд Уильям Тернер (1775–1851). Байский залив с Аполлоном и Сивиллой. 1823

Джозеф Мэллорд Уильям Тернер (1775–1851). Байский залив с Аполлоном и Сивиллой. 1823 (фрагмент)

Данную картину Тернер продемонстрировал в Королевской академии художеств в Лондоне в том же году, когда ее закончил. Между тем работа над нею, судя по всему, велась раньше, и холст стал своего рода итогом первого путешествия автора в Италию осенью 1819. Тогда он посетил Венецию, Неаполь, Флоренцию и Рим, где по протекции Кановы был избран почетным членом Академии Святого Луки.

Тернера пленили виды Италии. Об этом свидетельствует не только сама картина, но и начертанный на ней латинский девиз из оды Горация «К Каллиопе»: «Seu liquidae placuere Baiae» («иль Баий взморие влечет меня»).

Хотя согласно названию работы и утверждениям историков искусства здесь изображен именно Байский залив, совершенно очевидно, что картина представляет собой романтический идеализированный пейзаж и напоминает подобные пейзажи К. Лоррена. Известна забавная история: младший современник Тернера, художник Джордж Джонс, беседовал о картине с одним путешественником, недавно побывавшим на берегу Байского залива. Тот констатировал, что «половина сцены была просто вымышлена». Тогда возмущенный коллега начертал на раме: «Splendide mendax» (с латинского - «блестящая ложь»). Тернер повеселился и долгое время не удалял эту надпись.

На данном холсте Байский залив стал декорацией для повествования об Аполлоне и Кумской сивилле. Сюжет восходит к «Метаморфозам» Овидия. Он повествует о том, как Аполлон влюбился в сивиллу из Кум, что на севере Италии. Бог обольщал ее, обещая за объятия продлить ей жизнь на столько лет, сколько пылинок содержится в пригоршне пыли. И хотя она отказала ему, Аполлон сдержал свое слово и наделил ее долгожительством, но не дал вечной юности. Таким образом, она оказалась обреченной на столетия существования в образе дряхлой старухи. Сивилла, молодая женщина, изображена сидящей перед Аполлоном. Ее руки, сложенные чашечкой, наполнены пылью. Бог сидит перед нею на камне, одна его рука - на лире. Этот сюжет довольно поздний, впервые он появился в XVII веке.

Джозеф Мэллорд Уильям Тернер (1775–1851). Буря на море. Около 1840

Хотя Тернер, безусловно, был городским жителем, его всегда привлекала морская стихия. С начала 1830-х он постоянно наведывался в Маргейт - городок на побережье в графстве Кент. Здесь художник сделал множество зарисовок видов моря в разные моменты: штиля, волнения, бури, в дневные часы, на закате…

В картинах автора поражают и восхищают как сама идея, так и мастерство ее воплощения. Что касается идеи, то зритель всегда «слышит» в его пейзажах, в особенности морских, некий романтический мотив, который, кажется, изливается из самых глубин и сокровенных уголков человеческой души. Такое впечатление, что тернеровский пейзаж буквально что-то говорит, внушает… Он захватывает зрителя, делает его соучастником, внимающим зову природы.

Увлечение живописца пейзажами с изображением штормовой погоды объясняется его интересом к теме возвышенного. Он снова и снова напоминает о могуществе природы, изображая море как прекрасную и одновременно устрашающую стихию. Для Тернера океан был фоном, на котором разворачивались действия, разыгрывались драмы. Особенно это ясно, когда в картину действительно привносится человеческий фактор, например, в виде кораблекрушения. Но и на данном полотне, где передана только стихия, ощущается возможность такой катастрофы.

Почти монохромной гаммой темных тонов мастер изображает плотную завесу штормовых туч. Кажется, что здесь он использует тот же метод, каким пользовался, создавая подобные рисунки на бумаге: рисует гребни штормовых волн и кончиками пальцев снимает небольшое количество краски, чтобы рельефнее передать изгибы волны.

Конец первой части

Галерея Тейт Британия - Tate Britain. Часть сети государственных национальных (а значит - бесплатных!) галерей в Великобритании , где можно отыскать свыше шестидесяти тысяч произведений искусства - картины, скульптуры, рисунки и гравюры. Эта "лондонская Третьяковка " была основана сахарным магнатом Тейтом , а первое её помещение (открыто в 1897 году) стоит на месте тюрьмы. Здесь находится полная коллекция работ знаменитого англичанина Тернера , а также картины Гейнсборо, Блейка, Констебля . Также в коллекции - прерафаэлиты и все виднейшие европейские импрессионисты и постимпрессионисты, такие как Писсарро, Сезанн, Лотрек, Ван Гог, Мунк, Матисс, Кокошка, Кандинский, Шагал и др.

Упомянутая сеть галерей (на 2010 год) состоит из четырех "ячеек". Это Британская галерея Тейт (Tate Britain) в Лондоне , она же старая галерея Тейт , приютившая собрание английской живописи XVI - XIX веков и коллекцию зарубежного искусства XIX века. Далее, Тейт Модерн, современная галерея Тейт (Tate Modern) , она также в Лондоне , где с 2000 года выставляется европейское и американское искусство, датируемое с 1900 года по настоящее время. В 1988 году открылся ещё и филиал галереи в Ливерпуле . Также работает Tate St Ives в Корнуэлле , с 1993 года. И, наконец, есть веб-сайт, настоящий виртуальный музей в интернете - Tate Online . Основу коллекции составило собрание картин британских художников, принадлежавшее когда-то сэру Генри Тейту (Sir Henry Tate , 1819–1899), между прочим, сахарному магнату. Начало положили три полотна - одно из них это «Четверг» У. Д. Садлера . Галерея была устроена на месте бывшей тюрьмы и открыта 21 июля 1897 года. Сегодня это крупнейшее в мире собрание английского искусства XVI - XX веков. Во многих смыслах она имеет то же значение, что и Третьяковская галерея у нас. В 1926 году к основному зданию был пристроен отдел иностранной живописи. Во время второй мировой войны строение пострадало в результате налетов авиации. Но коллекция была предусмотрительно эвакуирована. Музей был восстановлен и полностью открыт для посетителей в 1949 году. В 1979 году произошло открытие залов для коллекции современного искусства. А в 1987 году открылась так называемая галерея Клор (Clore Gallery) , в которой выставлена самая полная коллекция произведений Тернера . Он завещал свои полотна Англии при условии, что все они будут сохранены как единая экспозиция. Ну, а сэр Чарльз Клор (1904–1979) предоставил на это средства. Футбол, к примеру, он не любил, так что… куда ещё деньги девать? Итак, в галерее, прежде всего, вы найдете работы английских живописцев: Джон Беттс (ум. ок. 1576), Уильям Хогарт (1697–1764), Джошуа Рейнольдс (1723–1792), Томас Гейнсборо (1727–1788), Ричард Уилсон (1713–1782), Джордж Стаббс (1724–1806), Уильям Блейк (1757–1827), Джон Констебл (1776–1837) . Жемчужина экспозиции «местных художников», естественно - коллекция работ Джозефа Мэллорда Уильяма Тернера (1775–1851) . Также в галерее можно осмотреть работы прерафаэлитов - Данте Габриэль Россетти (1828–1882), Джон Эверетт Миллес (1829–1896), Уильям Холман Хант (1827–1910). Зарубежные художники представлены, в основном, живописью французских импрессионистов и постимпрессионистов. Это Клод Моне (1840–1926), Камиль Писсарро (1830–1903), Альфред Сислей (1839–1899), Поль Сезанн (1839–1906), Винсент Ван Гог (1853–1890), Анри де Тулуз-Лотрек (1864–1901), Анри Матисс (1869–1954), Эдвард Мунк (1863–1944), Оскар Кокошка (1886-1980), Амедео Модильяни (1884–1920), Пабло Пикассо (1881–1973), Жорж Брак (1882–1963), Фернан Леже (1881–1955), Кандинский В.В. (1866–1944), Казимир Малевич (1878–1935), Марк Шагал (1887–1985), Макс Эрнст (1891–1976), Сальвадор Дали (1904–1989) . Там же - скульптуры Огюста Ренуара (1841–1919), Эдгара Дега (1834-1917), Жоржа Сера (1859–1891), Огюста Родена (1840–1917) и Аристида Майоля (1861–1944) . Галерея стала устраивать и временные выставки - с ретроспективы работ дадаиста Марселя Дюшана (1887-1968) незадолго до его смерти, в 1966 году. Каждый год галерея вручает так называемый Turner Prize - награду имени Тернера. Она присуждается художникам, которые творят в Великобритании. Экспозиция открыта с понедельника по субботу с с 10 до 18 часов, но вход закрывают в 17.45 (либо англичане считают, что 15 минут на все это вполне достаточно, либо это время, за которое можно добраться бегом до самого отдаленного уголка галереи и обратно). А вот каждую первую пятницу месяца бегать не надо – залы работают до 22 часов. Закрыта галерея 24, 25, 26 декабря, зато 1 января функционирует как ни в чем не бывало! В выходные дни устраиваются бесплатные экскурсии. Вход в галерею бесплатный, если нет специальных выставок. При галерее есть магазин, торгующий сувенирами, включая репродукции и открытки выставленных работ, а также кафе и ресторан. В ресторане есть даже вегетарианские блюда!