В искусстве и архитектуре XVIII столетия преобладали два фундаментальных стиля – барокко и классицизм. Они не случайно довольно долго сосуществовали рядом, в одну эпоху. Нельзя не отметить их тесную взаимосвязь, хотя и характерных, присущих лишь конкретному направлению особенностей тоже наберется немало. В чем же отличие барокко и классицизма и как при взгляде на картину или здание определить, к какому же стилю они относятся?

Определение

Барокко – художественный стиль, зародившийся в Италии и распространенный в европейском искусстве до середины XVIII века.

Барокко

Классицизм – художественный стиль, характерный для искусства Европы и особенно ярко проявившийся во второй половине XVIII века.

Классицизм

Сравнение

Барокко и классицизм – направления-антагонисты, хотя у них есть и немало общих черт, ведь формировались они в одну эпоху.

Характерные черты стиля	Барокко	Классицизм
Общие	Призван продемонстрировать роскошь и богатство. Повышенная эмоциональность. Динамизм. Сущность жизни – в движении и в борьбе переменчивых стихий. Иррационализм, мистика, экспрессия. Подчеркнутая театральность, декоративность, экзальтация.	Воплощение лучших образцов античности. Спокойствие и утонченность. Ясность и лаконичность. Благородная простота. Стремление к идеальности. Рационализм. Следование принципам порядка, единообразия, согласованности.
В архитектуре	Вычурность и сложность форм. Парадность и напыщенность. Популярность пространственных иллюзий, искажающих пропорции здания. Гигантские размеры. Игра света и тени.	Ощущение величия. Четкая планировка, масштабность и строгость форм. Равновесие частей, гармоничность пропорций. Регулярность планировки. Функциональность, упорядоченность.
В интерьере	Пышность, величие, сочность, пространственный размах. Преобладание изогнутых линий, лакировки. Обилие декора и инкрустаций. Богатство отделки (золото, мрамор, мозаика, кость). Изощренный витиеватый орнамент. Мебель очень массивна и сложна по форме, изобилует украшениями.	Четкие геометрические формы. Сдержанность в декоре. Использование в отделке дорогих материалов, но без излишеств. Простота линий, гармоничность цветовых сочетаний. Орнамент с античными мотивами, строгий и геометричный. Максимальная функциональность и конструктивность мебели.
В искусстве	Динамизм композиций. Интерес к триумфам, экстатическим проявлениям натуры. Грандиозность, драматическое напряжение.	Уравновешенная композиция, логическое развертывание сюжетной линии. Отсутствие проявления ярких эмоций.

Выводы сайт

Барокко отличается буйством и динамичностью форм. Для классицизма характерны стройность и равновесие всех деталей.
Барокко ставит во главу угла роскошь, пышность, блеск, напыщенность, богатство отделки. Классицизм ценит сдержанность и простоту линий, декор используется очень аккуратно.
В барокко используются пространственные иллюзии, искажающие пропорции и придающие масштабность. Классицизм зиждется на гармоничности пропорций, берущих начало в античной традиции.

Отличия барокко от классицизма.

В эпоху классицизма, которая последовала за эпохой барокко, роль полифонического многоголосиия уменьшилась и на первое место вышло гомофонное многоголосие
(от греч. "хомос" - "один", и "фоне" - "звук", "голос")

В отличие от полифонии, где все голоса равноправны, в гомофонном многоголосии выделяется один, исполняющий главную тему , а остальные играют роль аккомпанемента (сопровождения). Аккомпанемент представляет собой, как правило, систему аккордов (гармоний). Отсюда и название нового способа сочинения музыки – гомофонно-гармонический.

В музыке стало меньше орнаментации, украшений. Произведения стали более стройными, чёткими по структуре, особенно те, которые написаны в сонатной форме .

В эпоху барокко в музыкальном произведении каждая из частей концентрировалась на выражении и раскрытии одного, ярко прорисованного чувства, что решалось с помощью изложения одной темы, которая изменялась (варьировалась) на протяжении всейчасти, а в эпоху классицизма в одной части произведения раскрывалось множество эмоций , которые выражались с помощью изложения и развития двух и более различных по образному содержанию тем.

Музыка раннего барокко (1600-1654)

Условной точкой перехода между эпохами ренессанса и барокко можно считать развитие итальянской оперы итальянским композитором Клаудио Монтеверди (1567-1643).

Композитор родился в итальянском городе Кремона в семье врача. Как музыкант Монтеверди сложился ещё в юности. Он писал и исполнял мадригалы; играл на органе, виоле и других инструментах. Сочинению музыки Монтеверди обучался у известных в то время композиторов. В 1590 г. в качестве певца и музыканта его пригласили в Мантую, ко двору герцога Винченцо Гонзаги; позже он возглавил придворную капеллу. В 1612 г. Монтеверди покинул службу в Мантуе и с 1613 г. поселился в Венеции. Во многом благодаря Монтеверди в 1637 г. в Венеции открылся первый в мире публичный оперный театр. Там композитор возглавил капеллу собора СанМарко. Перед смертью Клаудио Монтеверди принял духовный сан.

Изучив оперное творчество копозиторов ренессанса Пери и Каччини, Монтеверди создал собственные оперные произведения. Уже в первых операх - "Орфей" (1607 г.) и "Ариадна" (1608 г.) - композитору удалось музыкальными средствами передать глубокие и страстные чувства, создать напряжённое драматическое действие. Монтеверди - автор многих опер, но сохранились только три - "Орфей", "Возвращение Улисса на родину" (1640 г.; на сюжет древнегреческой эпической поэмы "Одиссея") и "Коронация Поппеи" (1642 г.).

В операх Монтеверди гармонично сочетаются музыка и текст. В основе опер – монолог – речитатив (от ит. recitare - "декламировать"), в котором декламируется каждое слово, а музыка гибко и тонко передаёт оттенки настроения. Монологи, диалоги и хоровые эпизоды плавно перетекают друг в друга, действие развивается неспешно (в операх Монтеверди три-четыре акта), однако динамично. Важную роль композитор отводил оркестру. В "Орфее", например, он использовал почти все известные в то время инструменты. Оркестровая музыка не просто сопровождает пение, но сама рассказывает о событиях, происходящих на сцене, и переживаниях персонажей. В "Орфее" впервые появилась увертюра (фр. ouverture, or лат. apertura - "открытие", "начало") - инструментальное вступление к крупному музыкальному произведению. Оперы Клаудио Монтеверди оказали значительное влияние на венецианских композиторов, заложили основы венецианской оперной школы.

Монтеверди писал не только оперы, но и духовную музыку , религиозные и светские мадригалы . Он стал первым композитором, который не противопоставлял полифонический и гомофонный методы - хоровые эпизоды его опер включают в себя приёмы полифонии.
В творчестве Монтеверди новое соединилось со старым - традициями эпохи Возрождения.

К началу XVIII в. сложилась оперная школа в Неаполе . Особенности этой школы - повышенное внимание к пению, главенствующая роль музыки. Именно в Неаполе был создан вокальный стиль бельканто (ит. bel canto - "прекрасное пение"). Бельканто славится необычайной красотой звучания, мелодичностью и техническим совершенством. Исполнитель стиля бельканто должен уметь воспроизводить множество оттенков тембра голоса, а также виртуозно передавать многочисленные, накладывающиеся на основную мелодию быстрые последовательности звуков - колоратуры (ит. coloratura - "украшение").

В XVIII столетии опера стала основным видом музыкального искусства в Италии, чему способствовал высокий профессиональный уровень певцов, обучавшихся в консерваториях (ит. conservatorio, err лат. conserve - "охраняю" ) - учебных заведениях, готовивших музыкантов. К тому времени в центрах итальянского оперного искусства - Венеции и Неаполе - было создано по четыре консерватории. Популярности жанра служили и открывшиеся в разных городах страны оперные театры, доступные для всех слоев общества. Итальянские оперы ставились в театрах крупнейших европейских столиц, а композиторы Австрии, Германии и других стран писали оперы на итальянские тексты.

Значительной фигурой периода раннего барокко, позиция которого была на стороне Католицизма, противостоящего растущему идейному, культурному и общественному влиянию Протестантизма, был Джованни Габриэли (1555-1612). Его работы принадлежат стилю «Высокого возрождения» (период расцвета Ренессанса). Однако некоторые его нововведения в области инструментовки (назначение определённому инструменту собственных, специфических задач) однозначно указывают, что он был одним из композиторов, повлиявших на появление нового стиля.

Одно из требований, предъявляемых церковью сочинению духовной музыки, заключалось в том, чтобы тексты в произведениях с вокалом были разборчивы . Это потребовало ухода от полифонии к музыкальным приёмам, где слова выходили на передний план. Вокал стал более сложен, витиеват по сравнению с аккомпанементом.

В распространение новых приёмов большой вклад внёс и немецкий композитор Генрих Шюц (1585-1672), обучавшийся в Венеции.Это наиболее известный немецкий композитор до Иоганна Себастьяна Баха и одним из самых важных композиторов периода раннего барокко наряду с Д. Габриэли и К.Монтеверди. Он использовал новые техники в своих работах, когда служил хормейстером в Дрездене.

Музыка зрелого барокко (1654-1707)

Период централизации верховной власти в Европе часто называют Абсолютизмом . Абсолютизм достиг своего апогея при французском короле Людовике XIV. Для всей Европы двор Людовика был образцом для подражания. В том числе и музыка, исполнявшаяся при дворе. Возросшая доступность музыкальных инструментов (особенно это относилось к клавишным) дала толчок к развитию камерной музыки(от ит. camera - "комната") , исполнявшейся в небольших помещения или в домашней обстановке.

Зрелое барокко отличается от раннего повсеместным распространением нового полифонического стиля (свободного письма ) и усилившимся разделением музыкальных форм, особенно в опере. Как и в литературе, появившаяся возможность многотиражной печати музыкальных произведений привела к расширению аудитории; усилился обмен между центрами музыкальной культуры.

В теории музыки зрелого барокко определяется фокусированием композиторов на гармонии и на попытках создать стройные системы музыкального обучения.
В последующие годы это привело к появлению множества теоретических трудов. Замечательным образцом подобной деятельности может служить работа периода позднего барокко - «Gradus ad Parnassum» (русск. Ступени к Парнасу), опубликованная в 1725 году Иоганном Йозефом Фуксом (нем. Johann Joseph Fux) (1660-1741), австрийским теоретиком и композитором. Это сочинение, систематизировавшее теорию контрапункта, практически до конца XIX века было важнейшим пособием для изучения контрапункта.

Выдающимся представителем придворных композиторов двора Людовика XIV был Джованни Баттиста Люлли (1632-1687). (Жан –Батист) . Уже в 21 год он получил звание «придворного композитора инструментальной музыки». Творческая работа Люлли с самого начала была крепко связана с театром. Вслед за организацией придворной камерной музыки и сочинением «airs de cour» (придворных арий) он начал писать балетную музыку. Сам Людовик XIV танцевал в балетах, которые были тогда излюбленным развлечением придворной знати. Люлли был превосходным танцором. Ему доводилось участвовать в постановках, танцуя вместе с королём. Он известен своей совместной работой с Мольером, на пьесы которого он писал музыку. Но главным в творчестве Люлли было всё же написание опер . Удивительно, но Люлли создал законченный тип французской оперы; так называемой во Франции лирической трагедии (фр. tragedie lyrique), и достиг несомненной творческой зрелости в первые же годы своей работы в оперном театре. Люлли часто использовал контраст между величественным звучанием оркестровой секции, и простыми речитативами и ариями. Музыкальный язык Люлли не очень сложен, но, безусловно, нов: ясность гармонии, ритмическая энергия, чёткость членения формы, чистота фактуры говорят о победе принципов гомофонного мышления. В немалой степени его успеху способствовало так же его умение подбирать музыкантов в оркестр, и его работа с ними (он сам проводил репетиции). Неотъемлемым элементом его работы было внимание к гармонии и солирующему инструменту.

Композитор и виолинист Арканджело Корелли (1653-1713) известен своей работой над развитием жанра кончерто гроссо(concerto grosso - "большой концерт") . Корелли был одним из первых композиторов, чьи произведения публиковались и исполнялись по всей Европе. Как и оперные сочинения Ж.Б.Люлли, жанр кончерто гроссо построен на контрастном сопоставлении звучания небольших солирующих групп оркестра и звучания полного оркестра. Музыка построена на резких переходах от громко звучащих частей к тихим, быстрые пассажи противопоставлены медленным. Среди последователей Арканджело Корелли был Антонио Вивальди, позднее сочинивший сотни работ, написанных в излюбленных формах Корелли: трио-сонатах и концертах.

В Англии зрелое барокко отмечено ярким гением Генри Пёрселла (1659-1695). Он умер молодым, в возрасте 36 лет, написав большое количество произведений и став широко известным ещё при жизни. Пёрселл был знаком с творчеством Корелли и других итальянских композиторов эпохи барокко.За свою короткую жизнь Пёрселл написал много вокальных, инструментальных, музыкально-театральных произведений, наиболее значительное из которых - опера "Дидона и Эней" (1689 г.). Это первая английская национальная опера . Она была заказана учителем танцев из пансиона для благородных девиц. Частный характер заказа повлиял на облик произведения: в отличие от монументальных опер Монтеверди или Люлли сочинение Пёрселла невелико по размерам , действие развивается стремительно . Либретто оперы (автор Николас Тэйт) было написано по мотивам героического эпоса "Энеида" римского поэта Вергилия.

У Вергилия один из защитников Трои - Эней после падения города отправляется странствовать. Буря прибивает его корабль к берегам Африки; здесь он встречается с Дидоной, царицей Карфагена. Дидона полюбила Энея и, когда герой по велению богов её покинул, лишила себя жизни. В опере Пёрселла вестника, разлучившего героев, посылают не боги, а лесные ведьмы (популярные персонажи английского фольклора). Эней принял обман за священный долг перед богами и погубил самое ценное - любовь.

Отличительная черта творчества Пёрселла - гармоничность . Композитор обладал удивительным даром создавать совершенные мелодии - спокойные, величественные и безукоризненные по форме. После Генри Пёрселла в английской музыке до XX в. вряд-ли можно назвать столь же ярких мастеров.

В отличие от вышеперечисленных композиторов Дитрих Букстехуде (1637-1707 ) не был придворным композитором. Букстехуде работал органистом , сначала в Хельсингборге (1657-1658), затем в Эльсиноре (1660-1668), а затем, начиная с 1668 года, в церкви св. Марии в Любеке. Он зарабатывал не публикацией своих произведений, а их исполнением, и патронажу знати предпочитал сочинение музыки на церковные тексты и исполнение собственных органных композиций.Его сочинения для органа отличались богатством фантазии, обилием неожиданных и красочных сопоставлений, глубоким драматизмом К сожалению, сохранились далеко не все произведения этого композитора. Музыка Букстехуде во многом построена на масштабности замыслов, богатстве и свободе фантазии, склонности к патетике, драматизму, несколько ораторской интонации. Его творчество оказало сильное влияние на таких композиторов, как И. С. Бах и Г.Ф.Телеман.

Музыка позднего барокко (1707-1760)

Точная грань между зрелым и поздним барокко является предметом обсуждения; она лежит где-то между 1680 и 1720. В немалой степени сложности её определения служит тот факт, что в разных странах стили сменялись несинхронно; новшества, уже принятые за правило в одном месте, в другом являлись свежими находками. Италия , благодаря Арканджело Корелли и его ученикам Франческо Джеминиани и Пьетро Локателли становится первой страной, в которой барокко переходит из зрелого в поздний период . Важной вехой можно считать практически абсолютное главенство тональности , как структуризирующего принципа сочинения музыки. Это особенно заметно в теоретических работах Жана Филиппа Рамо, который занял место Люлли, как главного французского композитора. В то же время, появление капитального труда Иоганна Йозефа Фукса «Градус ад Парнассум» (1725), посвященного полифонии строгого стиля, свидетельствовало о присутствии в музыке двух сочинительских стилей – гомофонно-гармонического и полифонического.

Формы , открытые предыдущим периодом, достигли зрелости и большой вариативности; концерт, сюита, соната, кончерто гроссо, оратория, опера и балет уже не имели резко выраженных национальных особенностей. Повсеместно устоялись общепринятые схемы произведений: повторяющаяся двухчастная форма (AABB), простая трёхчастная форма (ABC) и рондо.

Антонио Вивальди (1678-1741) - итальянский композитор, родился в Венеции.
В 1703 году принял сан католического священника. Первого декабря того же года он становится maestro di violino в венецианском сиротском приюте «Pio Ospedale della Pieta» для девочек. Известность Вивальди принесли не концертные выступления или связи при дворе, а публикации его работ, включавшие его трио-сонаты, скрипичные сонаты и концерты. Они были опубликованы в Амстердаме и широко разошлись по Европе. Именно в эти инструментальные жанры, в то время всё ещё развивающиеся, (барочная соната и барочный концерт), Вивальди и внёс свой самый значительный вклад. Для музыки Вивальди характерны определённые приёмы: трёхчастная циклическая форма для кончерто гроссо и использование ритурнели в быстрых частях. Вивальди сочинил более 500 концертов. Он также давал программные названия некоторым своим работам, таким как знаменитые «Времена года». Карьера Вивальди показывает возросшую возможность для композитора существовать независимо: на доходы от концертной деятельности и публикации своих сочинений.

Доменико Скарлатти (1685-1757) был одним из ведущих клавишных композиторов и исполнителей своего времени. Он начал свою карьеру, как придворный композитор; вначале в Португалии, а с 1733 года в Мадриде, где он и провёл остаток жизни. Его отец Алессандро Скарлатти считается основателем неаполитанской оперной школы. Доменико тоже сочинял оперы и церковную музыку, но известность (уже после его смерти) ему обеспечили его произведения для клавишных . Часть этих произведений он написал для собственного удовольствия, часть - для своих знатных заказчиков.

Самым знаменитым придворным композитором эпохи барокко стал Георг Фридрих Гендель (1685-1759). Он родился в Германии, три года учился в Италии, но в 1711 году уехал Лондон, где и начал свою блистательную и коммерчески успешную карьеру независимого оперного композитора, выполняющего заказы для знати. Обладающий неутомимой энергией, Гендель перерабатывал материал других композиторов, и постоянно переделывал свои собственные сочинения. Например, он известен тем, что переработал знаменитую ораторию «Мессия» столько раз, что сейчас не существует версии, которую можно назвать первоначальной. Несмотря на то, что его финансовое состояние то улучшалось, то приходило в упадок, его известность, основанная на опубликованных произведениях для клавишных, церемониальной музыке, операх, кончерто гроссо и ораториях всё возрастала. Уже после смерти он был признан ведущим европейским композитором, и изучался музыкантами эпохи классицизма. За свою жизнь Гендель написал около 50 опер («Альмира» "Агриппина", "Ринальдо", «Юлий Цезарь»и др.), 23 оратории («Мессия», «Самсон», «Иуда Маковей», «Геркулес»), бесчисленное количество церковних хоралов, органных концертов, а також ряд произведений развлекательного характера («Музыка на воде», «Музыка для королевских фейерверков»).

Один из величайших композиторов эпохи барокко - Иоганн Себастьян Бах родился
21 марта 1685 года в городе Эйзенах, Германия. За свою жизнь он сочинил более 1000 произведений в различных жанрах, кроме оперы . Но при жизни он не добился какого-либо значимого успеха. Много раз переезжая, Бах сменял одну не слишком высокую должность за другой: в Веймаре он был придворным музыкантом у Веймарского герцога Иоганна Эрнста, затем стал смотрителем органа в церкви св. Бонифация в Арнштадте, через несколько лет принял должность органиста в церкви св. Власия в Мюльхаузене, где поработал всего лишь около года, после чего вернулся в Веймар, где занял место придворного органиста и устроителя концертов. На этой должности он задержался на девять лет. В 1717 году Леопольд, герцог Анхальт-Кётенский, нанял Баха на должность капельмейстера, и Бах стал жить и работать в Кётене. В 1723 Бах переехал в Лейпциг, где и остался до своей смерти в 1750 году.

И.С.Баха хорошо знали в Германии при жизни как композитора, исполнителя, педагога и отца Бахов-младших, в первую очередь Карла Филиппа Эммануила. Но в последние годы жизни и после смерти Баха его известность как композитора стала уменьшаться: его стиль считали старомодным по сравнению с расцветающим классицизмом.

В 1802 году Иоганн Николай Форкель издал первую наиболее полную биографию Иоганна Себастьяна Баха. В 1829 г., через 79 лет после смерти И. С. Баха, Феликс Мендельсон исполнил в Берлине баховские «Страсти по Матфею». Успех этого концерта воскресил интерес к творчеству И. С. Баха и стал причиной появления громадного интереса к музыке Баха в Германии, а затем и во всей Европе.

Сейчас И. С. Бах является одним из самых популярных композиторов всех времён: например, в голосовании «Лучший композитор тысячелетия», проведённом на Cultureciosque.com Бах занял первое место.

Они имеют как общие чрты, так и отличия, ведь каждое из архитектурных направлений обладает своими уникальными свойствами.

В эпоху Просвещения и Нового времени в странах Европы – период с XVII по XIX век, появились яркие и богатые стилевые направления в искусстве. Барокко, рококо, классицизм, ампир – это немногие из стилей, которые были известны в то время. Такое высокое развитие архитектурного искусства было вызвано тем, что королевские, императорские и аристократические династии сменяли друг друга, и каждая из них желала прославить себя и период своего правления настоящими шедеврами искусства и великолепными творениями архитектуры.

Чем отличается стиль ампир (поздний классицизм) от обычного классицизма

Два популярных направления – ампир и классицизм в архитектуре оставили после себя великий след в истории. По своей сути ампир является одним из этапов исторического развития классицизма, одним из его ответвлений, поэтому говорить об этих стилях, как о совершенно разных направлениях нельзя.

Если спросить архитекторов, чем ампир отличается от классицизма, на этот вопрос ответить будет сложно даже специалистам. Ампир является завершающим этапом развития классицизма, он был популярным в первые три десятилетия XIX века. Ампир, или поздний классицизм – именно так это направление обозначается в искусстве, был призван служить государству периода правления Наполеона с целью прославления его личности и совершенных им подвигов.

Классицизм начал постепенно переходить в эпоху ампира в период наполеоновской империи, эти направления ориентировались на изображение искусства периода античности. Архитекторы этого времени использовали элементы, позволяющие максимально точно передать воинскую доблесть и величественную мощь государства.

Для этого применялись такие приемы в декоре, как ликторские связки, воинские доспехи, лавровые венки, львы, орлы. Такие элементы использовались и в эпоху развития классицизма в архитектуре, однако, существенная разница в том, что ампир заимствовал архитектурные формы, присущи преимущественно Древнему Риму, а классицизм в основном применял наследие Древней Греции. Ярким примером сооружения в стиле классицизма является Вилла Ротонда в Италии, автором которой стал архитектор А. Палладио.

Чем отличается стиль ампир от классицизма, если говорить о выборе цветовой гаммы при обустройстве помещений? Интерьер, оформленный согласно законам классицизма, был строго выдержан в светлых и насыщенных тонах ванили, широко применялся бледно-голубой и цвет молодой листвы.

Предметы ярких насыщенных цветов увидеть было практически невозможно, в то время как в период ампира, наоборот, дизайнерами умело сочетались кричащие яркие тона с нежными и мягкими оттенками. Преобладание насыщенных зеленых и пурпурных оттенков, а также позолоты – еще один прием, характерный исключительно для ампирной эпохи.

Отличие неоклассицизма от классицизма и ампира

Еще одна общая черта для этих двух направлений – использование дорогих пород дерева и роскошных тканей при оформлении интерьера помещений. Нередко можно было увидеть предметы мебели, украшены инкрустацией из других пород дерева, натурального камня или слоновой кости.

Среди общих характеристик направлений нельзя не заметить, что в них одинаково часто используются орнаменты из цветов в качестве декора. Выбору тканей для декорирования интерьера в эпоху классицизма и ампира уделялось особое внимание. Придать помещению роскоши и помпезности удавалось благодаря применению натурального шелка и гобеленов с различными мотивами. Здесь следует сразу отметить отличие неоклассицизма от классицизма и ампира – в нем используется исключительно искусственный шелк, который выглядит так же дорого, как и натуральный материал.

Отличия ампира и классицизма заключаются и в том, что для первого свойственной была выраженная помпезность и роскошь. Классицизм был наделен меньшей монументальностью, он больше характеризуется сдержанностью форм и линий при возведении архитектурных сооружений и оформлении интерьера. Есть еще одна отличительная особенность ампира, свойственна исключительно этому направлению – широкое применение зеркал.

Классицизм, неоклассицизм и русский ампир: схожесть и отличия

Классицизм, русский ампир и неоклассицизм, как и многие другие архитектурные стили, имели много общего.

Прежде всего, следует назвать такую схожесть направлений:

1. Роскошь. Стили предназначались для оформления интерьеров представителей аристократии, именно поэтому их многие называют «дворцовыми» и «королевскими». Если обратить внимание на все стили, которые заявили о себе в период с XVII по XIX век, то самым скромным был классицизм и неоклассицизм, хотя на самом деле интерьеры отличались невиданной роскошью.

2. Большие и просторные помещения. Для помещений этих эпох характерными были комнаты с большим пространством и высокими потолками. Для стиля рококо это было свойственно в наименьшей степени, если сравнивать между собой все архитектурные направления того времени.

3. Способы декора. Для декорирования помещений, цель которого заключалась в том, чтобы придать интерьеру роскоши и богатства, использовались такие элементы, как лепнина, настенные росписи и картины с классическими сюжетами, резные изделия из дерева.

Неоклассицизм от классицизма и ампира отличается тем, что это популярное в конце XVIII – начале XIX века направление, наследовало традиции не только периода античности, но также в нем прослеживается искусство эпохи Возрождения. В принципе, неоклассицизм по своей сути является продолжением классицизма, его современным завершением.

Модерн, барокко, ампир, классицизм: отличительные черты

Барокко, классицизм и модерн – направления, имеющие много отличительных черт. Модерн представляет собой «цитирование» всех этих трех классических стилей. Он сформировался под сильным влиянием культуры Японии, Древнего Египта и стран других древних цивилизаций.

Разница между барокко, ампиром и классицизмом с одной стороны и модерном – с другой, в том, что с появлением последнего направления архитектурное искусство отказалось от наследия предыдущих эпох. В этот период происходит отказ от прямых линий и четких геометрических форм, консервативности и пафоса в пользу более естественным изогнутым, округлым линиям и асимметрии.

Чем отличаются эклектика и модерн от ампира

На смену величественному ампиру вначале XIX века пришла эклектика.

От ампира и классицизма эклектика и модерн отличаются тем, что они представляют собой смешение и «цитирование» всех предыдущих стилей одновременно.

Как правило, эклектика объединяет между собой смежные, не противоположные направления. Разные по своему стилю элементы интерьера обязательно должны иметь что-то общее – цвет, фактуру, общий дизайн. На мебели можно увидеть такие рисунки, как полосы, зигзаги, круги. Восточные покрывала и ковры, узорчатые обои, ниши, округлые углы – все это характерно для эклектики.

В целом и классицизм имеют много общего, в то время как модерн и эклектика выступают их полной противоположностью.

Классицизм (от лат. сlassicus – образцовый) – художественный стиль и направление в искусстве Европы XVII – XIX веков. В его основе лежат идеи рационализма, главная цель которых просвещать публику на основе некого идеала, образца, чем и похож на . В качестве такого примера послужила культура античного мира. Правила, каноны классицизма имели первостепенное значение; их должны были соблюдать все деятели искусства, творящие в рамках этого направления и стиля.

История возникновения

Как направление, классицизм охватил все виды искусства: живопись, музыку, литературу, архитектуру.

Классицизм, главная цель которого просвещать публику на основе некого идеала и соблюдения всех общепринятых канонов, является полностью противоположным , который отрицал все правила и являл собою бунт против всякой художественной традиции в любом направлении.

В своём развитии классицизм прошёл 3 этапа:

Ранний классицизм (1760-е – начало 1780-х);
Строгий классицизм (1780-е – 1790-е);
Поздний классицизм , получивший название (первые 30 лет XIX века).

На фото представлена Триумфальная Арка в Париже – яркий пример классицизма.

Черты стиля

Для классицизма характерны чёткие геометрические формы, высококачественные материалы, благородная отделка и сдержанность. Величественность и гармония, изящество и роскошь – вот основные отличительные черты классицизма. позднее отобразились в интерьерах в стиле минимализм.

Общие особенности стиля:

гладкие стены с мягкими цветочными мотивами;
элементы античности: дворцы и колонны;
лепнина;
изысканный паркет;
тканевые обои на стенах;
изящная, грациозная мебель.

Особенностью русского классицистического стиля стали спокойные прямоугольные формы, сдержанное и в то же время многообразное декоративное оформление, выверенные пропорции, достойный вид, гармоничность и вкус.

Экстерьер

Внешние признаки классицистической архитектуры ярко выражены, их можно выявить при первом взгляде на здание.

Конструкции: устойчивые, массивные, прямоугольной и арочной формы. Композиции чётко спланированы, соблюдается строгая симметрия.
Формы: чёткая геометричность, объёмность и монументальность; статуи, колонны, ниши, ротонда, полусферы, фронтоны, фризы.
Линии: строгие; регулярная система планировки; барельефы, медальоны, плавный рисунок.
Материалы: камень, кирпич, древесина, лепнина.
Крыша: сложной, замысловатой формы.
Преобладающие цвета: насыщенные белый, зелёный, розовый, пурпурный, небесно-голубой, золотой.
Характерные элементы: сдержанный декор, колонны, пилястры, античный орнамент, мраморная лестница, балконы.
Окна: полукруглые, прямоугольные, удлинённые вверх, скромно оформленные.
Двери: прямоугольные, филенчатые, часто украшены статуями (льва, сфинкса).
Декор: резьба, позолота, бронза, перламутр, инкрустация.

Интерьер

В интерьере помещений эпохи классицизма присутствует благородство, сдержанность и гармоничность. Тем не менее, все предметы интерьера не выглядят как музейные экспонаты, а только подчёркивают тонкий художественный вкус и респектабельность хозяина.

Помещение имеет правильную форму, наполнено атмосферой благородства, уюта, тепла, изысканной роскоши; не перегружено деталями.

Центральное место в декорировании интерьера занимают натуральные материалы, главным образом, ценные породы дерева, мрамор, камень, шёлк.

Потолки: светлые высокие, часто многоуровневые, с лепниной, орнаментом.
Стены: декорированы тканями, светлые, но не яркие, возможны пилястры и колонны, лепнина или роспись.
Напольное покрытие: паркет из ценных древесных пород (мербау, камши, тик, ятоба) или из мрамора.
Освещение: люстры из хрусталя, камня или дорогого стекла; позолоченные люстры с плафонами в виде свеч.
Обязательные атрибуты интерьера: зеркала, камины, уютные невысокие кресла, низкие чайные столики, светлые ковры ручной работы, картины с античными сюжетами, книги, массивные, стилизованные под античность напольные вазы, треножные подставки для цветов.

В декоре помещения часто используются античные мотивы: меандры, фестоны, лавровые гирлянды, нити жемчужин. Для отделки применяется дорогой текстиль, в том числе гобелены, тафта и бархат.

Мебель

Мебель эпохи классицизма отличается добротностью и респектабельностью, изготовлена из дорогих материалов, в основном из ценной древесины. Примечательно, что фактура дерева выступает не только как материал, но и как декоративный элемент. Предметы мебели изготовлены вручную, декорированы резьбой, позолотой, инкрустацией, драгоценными камнями и металлами. Но форма простая: строгие линии, чёткие пропорции. Столы и стулья столовой изготовлены с изящными резными ножками. Посуда – фарфоровая, тонкая, почти прозрачная, с рисунком, позолотой. Одним из важнейших атрибутов мебели считался секретер с кубическим корпусом на высоких ножках.

Архитектура

Классицизм обращался к основам античной архитектуры, используя не только элементы и мотивы, но и закономерности в конструкции. Основа архитектурного языка – ордер с его строгой симметрией, пропорциональностью создаваемой композиции, регулярностью планировки и чёткостью объёмной формы.

Классицизм – полная противоположность с его вычурностью и декоративными излишествами.

Создавались неукреплённые дворцы, садово-парковые ансамбли, которые стали основой французского сада с его выпрямленными аллеями, подстриженными газонами в форме конусов и шаров. Типичные детали классицизма – акцентированные лестницы, классический античный декор, купол в общественных зданиях.

Поздний классицизм (ампир) приобретает воинские символы («Триумфальная арка» во Франции). В России каноном архитектурного стиля классицизма можно назвать Санкт-Петербург, в Европе – это Хельсинки, Варшава, Дублин, Эдинбург.

Скульптура

В эпоху классицизма получили широкое распространение публичные памятники, олицетворяющие воинскую доблесть и мудрость государственных мужей. Причём основным решением для скульпторов стала модель изображения известных деятелей в образе античных богов (к примеру, Суворов – в виде Марса). Среди частных лиц стало популярным заказывать скульпторам надгробные памятники для увековечивания их имён. В целом скульптурам эпохи присущи спокойствие, сдержанность жестов, бесстрастность выражений, чистота линий.

Мода

Интерес к античности в одежде стал проявляться в 80-е годы XVIII века. Особенно это проявилось в женском костюме. В Европе возник новый идеал красоты, прославляющий естественные формы и прекрасные женские линии . Вошли в моду тончайшие гладкие ткани светлых тонов, особенно белого.

Женские платья лишились каркасов, прокладок и нижних юбок и получили форму длинных, задрапированных складками туник, разрезанных по бокам и перехваченных поясом под грудью. Надевались они на трико телесного цвета. В качестве обуви служили сандалии с лентами. Причёски копировались с античности. В моде ещё остаётся пудра, которой покрывались лицо, руки, декольте.

Среди аксессуаров использовались то тюрбаны из кисеи, украшенные перьями, то турецкие шарфы или кашмирские шали.

С начала XIX века парадные платья стали шить со шлейфами и глубоким декольте. А в повседневных платьях вырез прикрывался кружевной косынкой. Постепенно меняется причёска, и пудра уходит из употребления. В моду входят коротко стриженные волосы, закрученные в локоны, повязанные золотой лентой или украшенные венцом из цветов.

Мужская мода складывалась под влиянием англичан. Становятся популярными английский суконный фрак, редингот (верхняя одежда, напоминающая сюртук), жабо и манжеты. Именно в эпоху классицизма в моду входят мужские галстуки.

Искусство

В живописи классицизм характеризуется также сдержанностью и строгостью. Основные элементы формы – линия и светотень. Локальный цвет подчёркивает пластику предметов и фигур, разделяет пространственный план картины. Крупнейший мастер XVII в. – Лоррен Клод, известный своими «идеальными пейзажами». Гражданский пафос и лиричность объединились в «декоративных пейзажах» французского живописца Жака Луи Давида (XVIII в.). Среди русских художников можно выделить Карла Брюллова, сочетавшего классицизм с (XIX в.).

Классицизм в музыке ассоциируется с такими великими именами, как Моцарт, Бетховен и Гайдн, определивших дальнейшее развитие музыкального искусства.

Литература

Литература эпохи классицизма пропагандировала разум, побеждающий чувства. Конфликт между долгом и страстями – основа сюжета литературного произведения. Проведена реформы языка во многих странах и заложены основы поэтического искусства. Ведущие представители направления – Франсуа Малерб, Корнель, Расин. Главный композиционный принцип произведения – единство времени, места и действия.

В России классицизм развивается под эгидой эпохи Просвещения, главными идеями которой стали равенство и справедливость. Самый яркий представитель литературы эпохи русского классицизма – М. Ломоносов, заложивший основы стихосложения. Главным жанром стала комедия и сатира. В этом русле работали Фонвизин, Кантемир.

«Золотым веком» считают эпоху классицизма для театрального искусства, которое развивалось очень динамично и совершенствовалось. Театр был довольно профессиональным, а актёр на сцене не просто играл, а жил, переживал, оставаясь при этом самим собой. Театральный стиль был провозглашён искусством декламации.

Личности

Среди ярчайших классицистов можно выделить также такие имена, как:

Жак-Анж Габриэль, Пиранези, Жак-Жермен Суффло, Баженов, Карл Росси, Андрей Воронихин, (архитектура);
Антонио Канова, Торвальдсен, Федот Шубин, Борис Орловский, Михаил Козловский (скульптура);
Никола Пуссен, Лебрен, Энгр (живопись);
Вольтер, Сэмюэл Джонсон, Державин, Сумароков, Хемницер (литература).

Видео-обзор классицизма

Заключение

Идеи эпохи классицизма с успехом используются в современном дизайне. В нём сохраняется благородство и изящность, красота и величие. Основные черты – это настенная роспись, драпировка, лепнина, мебель из натурального дерева. Украшений немного, но все они роскошны: зеркала, картины, массивные люстры. В целом стиль и сейчас характеризует хозяина как респектабельного, далеко не бедного человека.

Позже еще появляется , который знаменовал приход новой эпохи – это . стало совмещение нескольких современных стилей, в которые входят не только классический, но еще барокко (в живописи), античная культура, и эпоха Возрождения.

Университет Российской Академии Образования

Особенности Барокко и Классицизма.

Главные стили в искусстве 17 века.

Выполнила: Студентка 2-го курса

Очного отделения

Спец-ти культурология

Якубова К.Н.

Преподаватель: Мареева Н.С.

Москва 2010 г.

Введение………………………………………………………………………...…3

1. Характеристика культуры XVII века………...……………………………...4

2. Барокко как художественное течение XVII века…………………………..5

2.1. Предпосылки и черты барокко……………………………………….…..5

2.2. Барокко в архитектуре…………………………………………………....6

2.3. Барокко в литературе………………………………………………..........8

2.4. Барокко в живописи и скульптуре………………………………………..9

3. Классицизм как художественное течение XVII века ……………...……..10

3.1. Предпосылки и черты классицизма………………………………….….10

3.2. Классицизм в литературе…………………………………………..….....11

3.3. Классицизм в архитектуре и живописи…………………………………12

3.4. Классицизм в скульптуре…………………………………………….….13

Заключение……………………………………………………………………….14

Список литературы……………………………………………………………....15

Введение

Тема моей контрольной работы «Классицизм и барокко в европейской культуре XVII в.: идеи и воплощения». Выбор этой темы обусловлен рядом причин:

Во-первых, барокко и классицизм – два наиболее широких и влиятельных художественных течения рассматриваемой эпохи.

Во-вторых, данные направления сложны и двойственны по своей природе, что делает этот вопрос одним из самых актуальных в культурологическом познании.

В-третьих, барокко и классицизм представляют выдающийся вклад в мировую сокровищницу искусства, что вызывает еще больший интерес к их познанию.

Целью моей работы является исследование таких направлений в искусстве XVII века как классицизм и барокко.

Для достижения поставленной цели мне необходимо решить ряд задач:

· Рассмотреть общие закономерности развития европейской культуры XVII века;

· Исследовать особенности барокко и классицизма как основных художественных течений указанного периода.

1. Характеристика культуры XVII века

XVII век - век Декарта и Пор-Рояля, Паскаля и Спинозы, Рембрандта и Мильтона, век отважных мореплавателей, переселений в заморские страны, смелой торговли, расцвета естествоиспытания, морализирующей литературы – и…век парика, достигающего наибольшей пышности в 60-е годы, парика, который носил каждый – от короля, адмирала до купца.

XVII век не случайно открывает период Нового времени: это действительно был век нового человека, новой науки, нового искусства.

В Европе Новое время обнаруживает себя в становлении и усилении капиталистических тенденций, а в Англии капитализм наиболее явственно утверждается в реальности. Это же время - период первой буржуазной революции, обнаружившей трагизм и бесчеловечность насильственных перемен в обществе, и жестокость ее организаторов.

Выделился и укрепился рационалистический подход к действительности, главную роль в мире начинает играть разум. Это выразилось, прежде всего, в становлении новой науки, как экспериментальной, так и теоретической. Научные достижения XVII века создают предпосылки для дальнейшего развития фундаментальных наук вплоть до современности и формируют основы нового философского взгляда на мир.

XVII век – начальный период в становлении буржуазного способа производства. Это крайне сложная и противоречивая эпоха в жизни европейских государств. Эпоха ранних буржуазных революций и расцвета абсолютистских монархий; время научной революции и завершающий этап Контрреформации; эпоха грандиозного, экспрессивного барокко и сухого, рассудочного классицизма.

2. Барокко как художественное течение XVII века

2.1. Предпосылки и черты барокко

Барокко (ит. Bаrоссо - странный, причудливый) - одно из главных стилевых направлений в искусстве Европы конца XVI - середины XVIII вв. Оно возникло в Италии и распространилось в большинстве европейских стран. Воплощая новые представления о вечной изменчивости мира, барокко тяготеет к эффектным зрелищам, сильным контрастам, совмещению иллюзорного и реального, к слиянию искусств (городские и дворцово-парковые ансамбли, опера, культовая музыка, оратория); одновременно - тенденция к автономии отдельных жанров (кончерто гроссо, соната, сюита в инструментальной музыке).

Стиль барокко получил преимущественное распространение в католических странах, затронутых процессами Контрреформации. Возникшая в Реформацию протестантская церковь была весьма нетребовательна к внешней зрелищной стороне культа. Зрелищность и была превращена в главную приманку католицизма, ей приносилось в жертву само религиозное благочестие. Как нельзя лучше целям возврата паствы в лоно католической церкви отвечал стиль барокко с его грациозностью, порой утрированной экспрессивностью, патетикой, вниманием к чувственному, телесному началу, проступающим весьма отчетливо даже при изображении чудес, видений, религиозных экстазов.

Но сущность барокко шире вкусов католической церкви и феодальной аристократии, которая стремилась использовать эффекты грандиозного и ослепляющего, свойственные барокко, для восславления могущества, пышности и блеска государства и мест обитания лиц, приближенных к трону.

Стиль барокко с особой остротой выражает кризис гуманизма, ощущение дисгармоничности жизни, бесцельных порывов к неведомому. По сути он открывает мир в состоянии становления, а становящимся миром был тогда мир буржуазии. И в этом открываемом для себя мире буржуа ищет стабильности и порядка. Синонимом устойчивости занимаемого места в мире выступают для него роскошь, богатство. Получается, что стиль барокко соединяет в себе несоединимое: монументальность – с динамизмом, театральный блеск – с солидностью, мистику, фантастичность, иррациональность – с трезвостью и рассудочностью, истинно бюргерской деловитостью.

Центром развития искусства барокко на рубеже XVI-XVII вв. был Рим. Парковые и дворцовые ансамбли, культовая архитектура, декоративная живопись и скульптура, парадный портрет, а позже натюрморт и пейзаж, - становятся основными видами и жанрами искусства барокко.

2.2. Барокко в архитектуре

Для архитектуры барокко (Л. Бернини, Ф. Борромини в Италии, Б.Ф.Растрелли в России) характерны пространственный размах, слитность, текучесть сложных, обычно криволинейных форм. Часто встречаются развернутые масштабные колоннады, изобилие скульптуры на фасадах и в интерьерах, волюты, большое число раскреповок, лучковые фасады с раскреповкой в середине, рустованные колонны и пилястры. Купола приобретают сложные формы, часто они многоярусны, как у собора Св. Петра в Риме. Характерные детали барокко- теламон (атлант), кариатида, маскарон.

В итальянской архитектуре самым видным представителем барокко искусства был Карло Мадерна (1556-1629гг.), который порвал с маньеризмом и создал свой собственный стиль. Его главное творение- фасад римской церкви Санта-Сусанна (1603г.). Основной фигурой в развитие барочной скульптуры был Лоренцо Бернини, чьи первые исполненные в новом стиле шедевры относятся приблизительно к 1620г. Бернини также архитектор. Ему принадлежит оформление площади собора Св. Петра в Риме и интерьеры, а также другие строения. Значительный вклад оставили Д.Фонтана, Р.Райнальди, Г.Гварини, Б. Лонгена, Л. Ванвителли, П. да Кортона. На Сицилии после крупного землетрясения 1693 года появился новый стиль позднего барокко- сицилийское барокко.

Квинтэссенцией барокко, впечатляющим слиянием живописи, скульптуры и архитектуры считается капелла Коранаро в церкви Санта-Мария-делла-Витториа (1645-1652гг.).

Стиль барокко получает распространение в Испании, Германии, Бельгии (тогда Фландрии), Нидерландах, России, Франции. Испанское барокко, или по местному чурригереско (в честь архитектора Чурригеры), распространившееся также в Латинской Америке. Наиболее популярный памятник его- собор в Сантьяго де Компостела, является также одним из наиболее почитаемых верующими храмов Испании. В Латинской Америке барокко смешалось с местными архитектурными традициями, это- самый вычурный его вариант, и называют его ультрабарокко.

Во Франции стиль барокко выражен скромнее, чем в других странах. Раньше считалось, что здесь стиль вообще развития не получил, и памятники барокко считались памятниками классицизма. Иногда употребляют термин «барочный классицизм» применительно к французскому и английскому вариантам барокко. Сейчас к французскому барокко причисляют Версальский дворец вместе с регулярным парком, Люксембургский дворец, здание Французской Академии в Париже и др. произведения. Они действительно имеют некоторые черты классицизма. Характерной чертой стиля барокко является регулярный стиль в садово-парковом искусстве, примером которого является Версальский парк.

2.3. Барокко в литературе

Писатели и поэты в эпоху барокко воспринимали реальный мир как иллюзию и сон. Реалистические описания часто сочетались с их аллегорическим изображением. Широко используются символы, метафоры, театральные приёмы, графические изображения (строки стихов образуют рисунок), насыщенность риторическими фигурами, антитезами, параллелизмами, градациями, оксюморонами. Бытует бурлескно-сатирическое отношение к действительности.

Для литературы барокко характерны стремление к разнообразию, к суммированию знаний о мире, всеохватность, энциклопедизм, который иногда оборачивается хаотичностью и коллекционированием курьёзов, стремление к исследованию бытия в его контрастах (дух и плоть, мрак и свет, время и вечность). Этика барокко отмечена тягой к символике ночи, теме бренности и непостоянства, жизни-сновидения (Ф. де Кеведо, П. Кальдерон). Известна пьеса Кальдерона «Жизнь есть сон». Развиваются и такие жанры, как галантно-героический роман (Ж. де Скюдери, М. де Скюдери), реально-бытовой и сатирический роман (Фюретьер, Ш. Сорель, П. Скаррон). В рамках стиля барокко рождаются его разновидности, направления: маринизм, гонгоризм (культеранизм), консептизм (Италия, Испания), метафизическая школа и эвфуизм (Англия).

Действия романов часто переносятся в вымышленный мир античности, в Грецию, придворные кавалеры и дамы изображаются в виде пастушков и пастушек, что получило название пасторали (Оноре д’Юрфе, «Астрея»). В поэзии процветают вычурность, использование сложных метафор. Распространены такие формы, как сонет, рондо, кончетти (небольшое стихотворение, выражающее какую-нибудь остроумную мысль), мадригалы.

На западе в области романа выдающийся представитель- Г. Гриммельсгаузен (роман «Симплициссимус»), в области драмы- П. Кальдерон (Испания). В поэзии прославились В. Вуатюр (Франция), Д. Марино (Италия), дон Луис де Гонгора-и-Арготе (Испания). В России к литературе барокко относятся С. Полоцкий, Ф. Прокопович, ранний М. Ломоносов. Во Франции в этот период процветала «прециозная литература». Культивировали ее тогда, главным образом, в салоне мадам де Рамбуйе, одном из аристократических салонов Парижа, наиболее модном и знаменитом.

2.4. Барокко в живописи и скульптуре

(П.П. Рубенс « прикованный Прометей») (Л. Бернини «Эней и Анхис»)

Итак, барокко - это одно из главных стилевых направлений в искусстве Европы XVII века. Синонимом устойчивости занимаемого места в мире выступают для него роскошь, богатство. Стиль барокко со своими шедеврами представляют выдающийся вклад в мировую сокровищницу искусства.

3. Классицизм как художественное течение XVII века

3.1. Предпосылки и черты классицизма

Классицизм (от лат. classicus - образцовый) - творческое направление, сформировавшее художественное мировоззрение, сложившееся в эпоху становления и укрепления европейских монархий и опиравшееся на нормы и образцы античного искусства. Классицизмом именуются также периоды и тенденции в истории европейской художественной культуры, когда формы античного искусства являются эстетическим эталоном.

Абсолютистским государствам не могла не импонировать идея величавого порядка, строгой соподчиненности, внушительного единства. Претендующее на «разумность» государство стремилось к тому, чтобы в нем видели уравновешивающее, объединяющее, героически возвышенное начало. В противовес барокко классицизм выражал стремление к разумному гармоничному строю жизни, а эти стремления были присущи не только монархам, но и народному сознанию, с его идеалами мира, покоя, сплочения страны. Помимо того привлекательной стороной классицизма выступал его нравственный пафос, гражданская направленность.

Эстетика классицизма ориентируется на подражание классическим образцам: определяющим для него является аристотелевский тезис о подражании искусства природе, она разделяет важный принцип античного театра о трех единствах – места, времени и действия. Но фактически она базируется на рационалистической философии Р.Декарта. Классицизм получил широкое распространение в абсолютистской Франции, а также в ряде других стран (Италия, Германия, Англия).

Классицизм XVII в. был тесно связан с дворянской культурой французского абсолютистского государства. В этот период сформировалась нормативная эстетика, требовавшая от искусства соблюдения определенных законов и правил. Художественные образы классицизма отличались логичностью и гармоничностью выражения; они были разумно организованы, логически построены и, как правило, лишены индивидуальных черт. Установление строгих правил творчества - одна из характерных черт эстетики классицизма. Художественное произведение понималось классицистами не как естественно возникший организм, а как произведение искусственное, сотворенное, созданное руками человека по плану, с определенной задачей и целью.

Наиболее целостную культурно-эстетическую программу сформировал французский классицизм. Его мировоззренческой основой послужил рационализм Рене Декарта (1596-1650).

3.2. Классицизм в литературе

Основателем поэтики классицизма считается француз Франсуа Малерб (1555-1628), проведший реформу французского языка и стиха и разработавший поэтические каноны. Ведущими представителями классицизма в драматургии стали трагики Корнель и Расин (1639-1699), основным предметом творчества которых был конфликт между общественным долгом и личными страстями. Пьером Корнелем написаны стихотворные комедии «Мелита, или Подложные письма» (1629, изд. 1633), «Вдова, или Наказанный предатель» (1631-1632) и др., трагикомедия в стихах «Сид» (1637), трагедии «Гораций» (1641), «Цинна, или Милосердие Августа» (1643) и др. Трагедия Жана Расина «Андромаха» выражает героику противостояния деспотическому произволу. Трагедия «Федра» отличается высоким уровнем психологизма в описании личности героини.

Высокого развития достигли также «низкие» жанры- басня (Ж. Лафонтен), сатира (Буало), комедия (Мольер 1622-1673). Французский писатель Жан де Лафонтен известен как автор сказок, комедий, басен, сатирически отображающих жизнь в абсолютистской Франции.

Французский драматург Жан-Батист Мольер развивал в своих пьесах жанр народной комедии, высмеивая праздность и предрассудки дворянства. Его герои говорят обычным языком. В комедии «Мещанин во дворянстве» в сатирическом виде изображен представитель третьего сословия, желавший походить на дворянина. Мольер высмеивал дворянское безделье, эгоизм («Дон Жуан»), стяжательство («Скупой»), церковное ханжество («Тартюф»). Отрицательным персонажам противопоставляются другие герои Мольера - находчивые, остроумные люди из народа. Постановка его «Дон Жуана» осуждалась официальными кругами за атеизм и вольнодумство.

Буало прославился на всю Европу как «законодатель Парнаса», крупнейший теоретик классицизма, выразивший свои взгляды в стихотворном трактате «Поэтическое искусство». Под его влиянием в Великобритании находились поэты Джон Драйден и Александр Поуп, сделавшие основной формой английской поэзии александрины. Для английской прозы эпохи классицизма (Аддисон, Свифт) также характерен латинизированный синтаксис.

3.3. Классицизм в архитектуре и живописи.

(архитектурный комплекс в окрестностях города Потсдам) (Лейтон Фредерик «Девушка»)

3.4. Классицизм в скульптуре

(Ж.А. Гудон «скульптура Вольтера»)

Заключение.

В заключение своей работы могу сделать немаловажные выводы.

XVII век – это крайне сложная и противоречивая эпоха в жизни европейских государств. Именное в этот период – период ранних буржуазных революций, расцвета абсолютистских монархий, научной революции, зарождаются такие стили в искусстве как барокко и классицизм.

Барокко нельзя рассматривать только как художественный стиль, это и особый образ отношения к миру и с миром. Он связан с кризисом идеалов гуманизма, общественно-политическими потрясениями, характерными для XVII века.

Классицизм, как и барокко, был имманентно присущ всей культуре XVII века. Если барокко со своим богатством и многообразием ощущений тяготеет к сенсуализму как способу чувственного познания мира, то классицизм требует рационалистической ясности, упорядоченного метода расчленения целого на части и последовательного рассмотрения каждой из них.

Целью моей контрольной работы было исследование классицизма и барокко как основных стилей XVII века. Для достижения поставленной цели в первой главе была представлена общая характеристика культуры указанного периода. Во второй и третьей главах я постаралась как можно более полно раскрыть особенности стилевых направлений барокко и классицизма в различных направлениях искусства: живописи, архитектуре, литературе, скульптуре. Подводя итог, могу сказать, что цель работы достигнута.

Итак, барокко и классицизм - это одни из главных стилевых направлений в искусстве Европы XVII века. Они представляют выдающийся вклад в мировую сокровищницу искусства

Список литературы

1. Драч Г.В. «Культурология: Учебное пособие для студентов высших учебных заведений» Ростов на Дону 1999

2. Кравченко А. И. «Культурология (Учебное пособие для вузов)» М. 2003

3. Н.В.Шишова, Т.В.Акулич, М.И.Бойко (Под ред. Н.В.Шишовой.) «История и культурология» М. 2000

4. «Европейская история 17 века» М. 2005